На тижні, присвяченому синтетичності, пропоную трохи поміркувати: що насправді зображує художник – те, що він бачить, чи те, що він відчуває? Та й взагалі, чи обов'язково зображати світ тільки в один спосіб, чи можна спробувати поєднати різноманітні погляди і подивитися, що вийде?

Довгий час майстерність художника вимірювали здатністю точно і реалістично зображати навколишній світ (давайте зараз не будемо пригадувати чудернацьких звірів на середньовічних мініатюрах). Однак уже з середини XIX століття художники почали задаватися питанням – а чи можна зобразити на полотні щось ще, наприклад, не просто поле або ліс, а те, як вони виглядають в різних ракурсах і при різному освітленні, які почуття викликають, і навіть що конкретний художник про них думає?

Першими на це питання, як відомо, відповіли імпресіоністи: в їх картинах не малося ні чіткого сюжету, ні навіть чітких контурів, проте не бракувало різноманітних фарб і чистого світла. Імпресіоністи не зображували ліс, поле або ставок з ліліями – вони зображували свої враження від них, і, хоча спочатку вони наразилися на гостру критику, згодом цей тип мистецтва багатьом полюбився.

«Враження. Схід сонця.» Клод Моне

Імпресіонізм відкрив цілу епоху експериментів, гострих питань до мистецтва і переосмислення самого поняття мистецтва – одним словом, перевернув все з ніг на голову. І ось в один прекрасний момент деякі художники почали міркувати далі – а чи можна об'єднати в картині сам предмет і враження від предмета, тобто створити свого роду синтез класичного живопису і імпресіоністського погляду? Відповіддю на це питання стало напрямок, яке так і назвали – синтетизм.

Завданням синтетизму було знайти гармонійне поєднання трьох важливих для картини речей: по-перше, сюжету, по-друге, вражень художника, по-третє, самої художньої форми – композиції, ліній, фарб. Зловити гармонію завжди непросто: перестараєшся з сюжетом – повернешся назад до класицизму, а тут вже і так намальовано на покоління вперед. Захопишся емоціями – потрапиш в імпресіоністи, а вони за минулі роки вже встигли в своєму жанрі сказати все, що можна. Захоплення чистою формою ще попереду, Малевич тільки в початкову школу ходить, а Ротко і Поллок взагалі ще не народилися. 

Найкраще принцип синтетизму описав художник Моріс Дені, один із засновників руху:

«Слід пам'ятати, що картина, перш ніж стати зображенням бойового коня, оголеної жінки або якоюсь історією, по суті, являє собою плоску поверхню, покриту кольорами, зібраними в певному порядку».

«Легенда про лицарство або три молоді принцеси (модель для гобелену)», Моріс Деніс

Здавалося б, це і так всім зрозуміло. Однак насправді Дені звертає увагу на те, про що мало хто на той момент замислювався: зображення, наприклад, коня не рівнозначне справжньому, живому коню, а отже, не варто прагнути до надмірного реалізму –  зрештою, хто хоче помилуватися кіньми, піде не в галерею, а на скачки. Для картини ж важливі враження художника і те, якими засобами він ці враження передає.

У своїх полотнах художники-синтетисти використовували не мазки і відблиски, як їхні «старші брати»-імпресіоністи, а чіткі контури і прості кольори. Деякі картини нагадують паперові колажі – з плоскими фігурами і навмисно нереалістичною перспективою. Вони немов нагадують: перед нами не реальність, а – історія, і її розповідає нам художник, щедро додаючи своїх думок, емоцій і риторичних фігур у вигляді незвичайних відтінків або дивно вигнутих ліній.

На фото: сережки «Дара»

У 1888 році художники-синтетисти об'єдналися в групу під назвою «Набі» (у перекладі з івриту «пророк»). Вони дійсно бачили себе пророками нового мистецтва, над чим, з одного боку, можна поіронізувати – хто з молодих художників хоч раз у житті не вважав себе пророком? З іншого боку, якщо уважніше придивитися до їхніх картин, стає видно, що назву вони собі вибрали дуже точно: синтетисти дійсно передбачили багато з того, що незабаром, у XX столітті, буде захоплювати і навіть шокувати: і дивні кольори, і плоскі форми, і фантастичні сюжети, і навіть сюрреаліста Рене Магрітта з його знаменитою картиною «Це не люлька». Всім здивованим Магрітт люб'язно пояснював, що це дійсно не люлька, а... полотно, покрите фарбою так, щоб створювати зображення люльки.  Як тут не згадати Дені та його слова про «плоску поверхню, покриту кольорами»?

Мистецтво розвивається разом із людством: щоразу, навіть коли здається, що все вже віднайдено, раптом з’являється щось нове, здатне здивувати й вразити. Головне – вміти дивитися на світ під несподіваним кутом. Наприклад, спробувати поєднати ювелірне мистецтво з літературою й культурою, а потім додати музейну справу і насолоджуватися результатом: на цьому в Орінго дуже добре знаються. 

Ольга Орінго